viernes, 15 de marzo de 2024

DR. FEELGOOD: MÉDICOS INESCRUPULOSOS Y ANTECEDENTE DEL PUNK

César Pradines

Clarín, 18/10/2021

[Gran artículo aparecido en la prensa argentina que, al parecer, tiene bastante mejor gusto musical que la española. Solo habría que añadir que Wilko Johnson, lamentablemente, murió en 2022.]



La banda británica, nombrada así por los doctores que vendían recetas, fue fundada hace 50 años. Su breve e intensa carrera.

Se cumplen 50 años del nacimiento de una de las bandas de culto del rock inglés, Dr. Feelgood, uno de los primeros grupos que reaccionaron como contraofensiva al rock progresivo y al glam rock. Por cierto, aunque el punk reconoce varias influencias, sin duda, este cuarteto de rock duro fue inicialmente una fuente de inspiración para ellos.

Con su álbum Stupidity, Dr. Feelgood llegó al top de las listas de octubre de 1976 y se convirtió por nueve semanas en la banda más importante del Reino Unido.

Surgido de los alrededores de Canvey Island, en Essex, el grupo fue fundado por Lee Brilleaux (1952-1994) en voz y armónica y Wilko Johnson (1947) en guitarra y con John B. Sparks en bajo y The Big Figure (John Martin) en batería en su sección rítmica.

Hacían un Rhythm & Blues descarnado en el que el tono áspero, casi cruel de Brilleuax y la punzante guitarra de Wilko (tocaba sin púa) con sus movimientos espasmódicos y usando la guitarra como ametralladora se convirtieron en un sello distinguible en el rock inglés, por cierto, un mundo tan variado como creativo.

Hey, doctor

El nombre de la banda surgió de como se los llama a esos médicos de una "generosidad" inescrupulosa dados a vender recetas con medicación prohibida a los adictos. También es el nombre de un tema del pianista y cantante de blues Willie Perryman Dr. Feel-Good, popularizado por Aretha Franklin.

En aquellos años de los tempranos setenta, la música del grupo se llamaba Pub Rock, una etiqueta que señalaba una ética de tono igualitario con la audiencia y que se oponía a la lejanía de los estadios y ese progresismo muchas veces alejado de las raíces del rock.

En los alrededores de Londres se tejió una red de lugares que posibilitó que el Pub Rock no sólo tuviese su espacio sino que creciera a su sombra; bares como Hope and Anchor, Dingwalls y Nashville fueron centrales en esta expansión que terminó siendo aprovechada por el punk.

“Nuestra energía fue nuestro legado para los punks. Fue la violencia de nuestra actuación y la mirada desafiante lo que les llegó. No tenían ni el conocimiento, ni la técnica, pero tenían la actitud”, señaló Wilko Johnson a Will Birch en la historia del Pub Rock, No Sleep Till Canvey Island.

Un grupo con un escenario potente, shows enérgicos y una fórmula arrasadora entre voz y guitarra; músicos de modales agresivos y vestidos de una manera que chocaba contra la moda de arreglo y maquillaje del rock.

Mientras que Brilleaux y Wilko usaban trajes con sacos de solapas angostas y corbata; Sparks y The Big Figure subían a tocar más a la moda y se permitían un saco de solapas anchas. Frente a tantas cuidadas melenas, los miembros de Dr. Feelgood usaban pelo corto, un aspecto por demás llamativo a comienzos de los años setenta. Despedían un aire de descuidada delincuencia sobre el escenario.

La fuerza escénica

Esa fuerza escénica era motivo de dudas si podía ser reflejada o no en sus grabaciones de estudio. Cuestiones puramente anecdóticas ya que Dr. Feelgood era una banda que podía sonar tan bien en estudio como en vivo; aunque convengamos que estamos hablando de un cuarteto de sonido sin producir y una energía discursiva intensa que podía plasmarse también en una sala de grabación.

Sus dos primeros discos Down by the Jetty y Malpractice, ambos lanzados en 1975, vendieron bien y le dieron a la banda la posibilidad de cruzar el Canal de la Mancha.

Y llegaría Stupidity (1976), su esperado álbum en vivo, que causó esa impresión ya adelantada por todos sus seguidores de que la banda en vivo daba mucho más que en un estudio rodeado de bastidores. Un primer puesto rápido que se mantuvo durante toda una semana y que logró sostenerse entre los primeros durante otras ocho semanas.

El vinilo original contenía 13 canciones grabadas en el Sheffield City Hall, el 23 de mayo de 1975; posteriormente, se incluyeron diez temas, grabados en Southen Kursaal, el 8 de noviembre de ese año y el material nos espera en Spotify.

Una carrera breve, pero intensa

El último disco del grupo original fue Sneakin’ Suspicion (1977), de tono similar a los trabajos anteriores y con la fama que les dio Stupidity tuvo también excelentes ventas hasta trepar al puesto 10 en las listas inglesas.

Hasta ese momento la banda se sostenía a través de un delicado equilibrio entre Brilleaux y Wilko, ambos de personalidades y con alguna tendencia a los abusos de sustancia y alcohol.

La partida del guitarrista por motivos de elección de repertorio, según las fuentes oficiales de la banda, tuvo un fuerte trasfondo de pelea de egos. Infaltables en casi todos los grupos humanos, mucho más cuando se alcanza cierto reconocimiento.

Se separaron, Brilleaux quedó con el nombre y la responsabilidad de reemplazar al irremplazable Wilko Jonhson. Tuvo suerte diversa hasta su fallecimiento, el 7 de abril de 1994 a causa de un linfoma; padecía además de cirrosis debido a su prolongado alcoholismo.

Por su parte, Wilko no logró a través de distintas bandas retener el prestigio que le había dado Dr. Feelgood y que en los últimos años lo sacó del escenario al tener que recuperarse de un cáncer.

La fotógrafa Scarlet Page, hija de Jimmy, lo retrató con su eterna Fender Telecaster a los pocos días de haber salido del hospital para su muestra de guitarristas Resonators, exhibida en Buenos Aires, en marzo de 2019, en FOLA.

Lo curioso de este encuentro, en 2018, con Johnson en la zona de Canvey Island es que el guitarrista le contó a Page que tras su internación le dieron 90 días de sobrevida que, evidentemente, no se cumplieron.

En la actualidad, vive en Essex, cerca de donde comenzó la banda a ensayar. “Tuve una vida muy plena y está bien saber que voy a cerrar este círculo. Voy a usar estos 90 días para tocar y abrazar la vida'. Fue tan fuerte ese abrazo que aún sigue bien vivo”, recordó en aquel momento la fotógrafa en diálogo con Clarín.



VIOLENT FENMES: GIRA USA INTERPRETANDO SUS 2 PRIMEROS LPS ÍNTEGROS

Jesús Sanz Morales

Plásticos y decibelios, 13/03/2024

Violent Femmes ha anunciado una gira por Norteamérica para la primavera de 2024 en la que las leyendas del folk-punk tocarán sus dos primeros álbumes completos en cada show.

El año pasado, las Femmes tocaron su clásico LP de debut homónimo de 1983 en su totalidad en una gira del 40 aniversario. Este año van a duplicar esa oferta. Los espectáculos comenzarán con una presentación completa de “Hallowed Ground” de 1984 en celebración de su 40 aniversario, seguida de un breve intermedio. Luego, la banda volverá a tocar el trabajo homónimo íntegro, seguido de algunos temas favoritos de otros álbumes.

La gira comenzará el 1 de mayo en San Francisco y finalizará el 18 de mayo en Detroit. La preventa ha comenzado hoy miércoles a las 10 a. m. hora local a través de Ticketmaster usando el código ADDITUP, mientras que la preventa de Live Nation se iniciará mañana jueves a las 10 a. m. hora local con el código KEY, seguida de una venta general el viernes 15 de marzo.

Como ha señalado un comunicado de prensa, el líder Gordon Gano escribió las canciones que terminaron tanto en el LP debut como en “Hallowed Ground” mientras estaba en la escuela secundaria, y agregó:

“De hecho, las canciones de ‘Hallowed Ground’ se escribieron mucho antes del lanzamiento de ‘Violent Femmes’, pero la banda quería centrarse en canciones alegres para el álbum debut y quería ‘confundir a la gente’ con las canciones más experimentales que terminaron en ‘Hallowed Ground’”.

Una oportunidad fantástica de poder escuchar en directo canciones de su espectacular álbum debut como “Blister in the Sun”, “Kiss Off”, “Add It Up”, “Gone Daddy Gone”, “Prove My Love” o “Good Feeling”.

Fechas de la gira de Violent Fenmes:

05/01 – San Francisco, CA @ The Warfield

05/03 – Eugene, OR @ The Cuthbert Amphitheater

05/04 – Vancouver, BC @ Commodore Ballroom

05/05 – Vancouver, BC @ Commodore Ballroom

05/07 – Calgary, AB @ MacEwan Hall

05/08 – Edmonton, AB @ Winspear Centre

05/10 – Winnipeg, MB @ Burton Cummings Theatre

05/11 – Fargo, ND @ Outdoors @ Fargo Brewing

05/12 – St. Paul, MN @ The Palace

05/14 – Des Moines, IA @ Val Air Ballroom

05/15 – Peoria, IL @ Peoria Civic Center

05/16 – Indianapolis, IN @ Murat Theatre at Old National Centre

05/17 – Cincinnati, OH @ Riverfront Live

05/18 – Detroit, MI @ Masonic Cathedral Theatre

miércoles, 13 de marzo de 2024

MUERE ERIC CARMEN, LÍDER DE LOS RASPBERRIES Y VOZ DE 'ALL BY MYSELF' Y 'HUNGRY EYES'

David Morán

ABC, 12/03/2024


El cantante estadounidense, de 74 años, falleció el pasado fin de semana mientras dormía, según ha confirmado su esposa

Primero fue 'Go All The Way', himno que puso a los Raspberries en el mapa y, en una época de experimentos progresivos y grupos tirando a pelmazos, les abrió de par en par las puertas del power pop. Beatles, Who, Hollies, Small Faces y Beach Boys. ¿Para qué más? Ahí estaba ya, manejando el timón y liderando la primera línea, un veinteañero de pelambrera deslumbrante y voz rasgada.

Cuando atacaba los agudos recordaba al McCartney más despendolado, pero era Eric Carmen, antiguo líder de los ignotos Cyrus Eyrie y futuro rey de la turbobalada AOR gracias a 'All By Myself' y 'Hungry Eyes', canciones que, de existir aún M80, sonarían hoy en bucle para despedir al cantante y compositor de Cleveland. Porque Carmen, nacido en 1949 y en barbecho discográfico desde finales de los noventa, falleció el pasado fin de semana a los 74 años, según ha confirmado este martes su esposa.

«Con tremenda tristeza compartimos la desgarradora noticia del fallecimiento de Eric Carmen», ha escrito Amy Carmen en la web oficial del artista. «Nuestro dulce, cariñoso y talentoso Eric falleció mientras dormía durante el fin de semana. Le produjo una gran alegría saber que, durante décadas, su música conmovió a tantas personas y será su legado duradero. Por favor respeten la privacidad de la familia mientras lamentamos nuestra enorme pérdida».

Como casi todas las bandas de la época, los Raspberries duraron poco, apenas un suspiro, aunque su actividad fue frenética: cuatro discos en dos años y un puñado de canciones que apelaban a la efervescencia y excitación juvenil del rock cincuentas. Capitol les echó el guante en 1972 y Carmen ya empezó a dar pistas de lo que estaba por venir con baladas melancólicas como 'Let's Pretend' y exhibiciones de poderío vocal como 'Esctasy'.

El éxito, sin embargo, no se entretuvo demasiado con ellos, así que cuando 'Starting Over' no acabó de cuajar, la banda se separó y Carmen emprendió una carrera en solitario que arrancó lo grande, con 'All By Myself' escalando en listas y convirtiéndose en el himno rompecorazones de 1975. Con el power pop a buen recaudo en algún cajón, Carmen mutó en mago de la balada pop y entregó discos saturados de glucosa como 'Boats Against de The Current' y 'Tonight You're Mine'.

En los ochenta llegaron las permanentes y los discos insulsos, pop esponjado y muzak de ascensor, pero también fue entonces cuando el cine le regaló una segunda vida: primero con 'Footloose' (1984), donde sonaba esa 'Almost Paradise' que había escrito junto con Dean Pitchford; y, sobre todo, con 'Dirty Dancing' y 'Hungry Eyes', canción que John DeNicola y Franke Previte compusieron en 1984 y que Partrick Swayze, Jennifer Garner y Carmen transformaron en éxito instantáneo en 1987.

A partir de ahí, poca cosa: a finales de los ochenta se sumó a la All-Starr Band de Ringo Starr; en 2004 reunió a los Raspberries para una gira de que salió un álbum en directo, 'Raspberries Pop Art Live'; y poco a poco fue desapareciendo del mapa. Sus canciones volvían una y otra vez a la vida con nuevas versiones (un saludo, Céline Dion) y apariciones estelares en series y películas, pero las nuevas no acababan de llegar: la última, de hecho, se remonta a 2013, cuando publicó 'Brand New Year', balada a voz y piano incluida una antología de grandes éxitos.



lunes, 4 de marzo de 2024

¿POR QUÉ NEIL YOUNG SE FUE DE BUFFALO SPRINGFIELD Y CSN&Y?

Jesús Sanz Morales

Plásticos y decibelios, 03/02/2024

Un 3 de marzo de 1966 Neil Young, Stephen Stills y Richie Furay formaron Buffalo Springfield en Los Angeles, una banda que supo combinar sabiamente rock, folk y country en un sonido propio. Su primer gran éxito fue ‘For What It’s Worth’, tema que hablaba sobre los disturbios que hubo por el cierre de un club de Sunset Strip en West Hollywood, California.

Desafortudamente el grupo fue efímero y dejó publicados sólo tres LPs, un debut formidable en la onda del folk rock, un segundo más rock con cierta tendencia psicodélica y el tercero, un disco de sobras que ya apareció a título póstumo.

Hace unos años Neil Young explicó en una entrevista la razón por la cual dejó Buffalo Springfield y más tarde el supergrupo Crosby, Stills, Nash & Young: sintió que “los grupos comenzaban a alejarse de la razón por la cual era miembro”.

Young, que co-fundó Buffalo Springfield en 1966 para irse dos años más tarde y unirse a CS&N en 1969 y comenzar una carrera en solitario en 1970. fue incluido en el Salón de la Fama del Rock & Roll como solista y miembro de Buffalo Springfield, pero no como parte de CSNY.

Howard Stern le preguntó en SiriusXM por su negativa a tocar en el Monterey Pop Festival con Buffalo Springfield en 1967. El canadiense respondió que a él solo le interesaba lo concerniente a su grupo, no ser parte de una especie de “comunidad”.

“Realmente nunca pensé mucho en otra cosa que no fueran las personas para las que escribíamos nuestras canciones y las multitudes para las que tocábamos en vivo, cuando venían a ver a Buffalo Springfield, no a otras 100 bandas, sino a Buffalo Springfield ”, afirmó.

“Teníamos lo nuestro. Entonces yo pensaba: ‘No necesitamos diluirlo con todo eso y convertirnos en parte de todo eso’. Solo pensé que sería bueno si nos mantuviéramos enfocados en nuestro mensaje y en lo que trataban nuestras canciones. y cantar nuestras canciones directamente a nuestros fans, quienes nos amaban por lo que hacíamos”.

“Es justo lo que quería hacer: centrarme en el tema de las canciones y en la expresión de los rostros de las personas que venían a vernos y cómo conectamos con ellos. Para mí, ese era el Santo Grial… eso era todo. Me importaba. Y una vez que empezamos a alejarnos de eso, me fui. No pensé en eso desde el punto de vista de nadie más… No puedo hacer lo que hago si no actúo como creo”.

Cuando se le preguntó cómo se sintió al dejar dos grupos exitosos, Young respondió a Stern:

“No rompí con la música; No rompí con el amor… Solo quería que la música se nutriera. Quería encargarme de eso. Si el amor estaba sufriendo porque la situación no estaba bien, quería llevar el amor a otro lugar donde le iría mejor”.

Luego, Stern preguntó acerca de los sentimientos de Young al no ser incluido junto con CSN en 1997, y contestó que no entendía la política de esa decisión:

“Yo tampoco lo entiendo, pero está bien. Crosby, Stills y Nash son como el núcleo de Crosby, Stills, Nash & Young. Yo era como un satélite flotante. Las voces de esos chicos hicieron que sucediera. Todos esos tipos son grandes compositores, son grandes cantantes, son grandes músicos. Pero lo que quiero saber es, ¿dónde diablos está Crazy Horse? Eso es rock ‘n’ roll”.

miércoles, 28 de febrero de 2024

CALIFATO 3/4: "A LOS ANDALUCES NOS HAN MACHACADO Y HOY SEGUIMOS SIENDO UNA COLONIA"

Silvia Moreno

El Mundo, 26/02/2024

La banda de "folclore futurista" afincada en Sevilla publica nuevo trabajo el 29 de febrero, el día de la "nueva Andalucía" que ellos reivindican

Hace casi mil años, ya había un fabuloso vergel en lo que hoy en día son los jardines de la Buhaira de Sevilla. Fue durante el reinado de Al-Mutamid, el monarca poeta del reino taifa sevillano. A partir del siglo XII, bajo el califato de Abu Yacub Yusuf, los espacios verdes de esta zona se ampliaron y se construyó un palacio. Nueve siglos después de que se levantara esta imponente edificación, los integrantes del grupo Califato 3/4 -léase tres por cuatro, como el compás, y no tres cuartos- posan a la entrada del palacio de la Buhaira. Es el lugar elegido por la banda formada por dos sevillanos -Manuel Chaparro (voz) y Lorenzo Soria (programación y percusión)- y dos malagueños -Esteban Espada (bajo) y Sergio Ruiz (teclados)- para hablar de su nuevo disco Êcclabô de Libertá, que se lanza este 29 de febrero.

La elección de este enclave no es casual. Conecta con la reivindicación del pasado y el orgullo de sentirse andaluz que Califato 3/4 lleva en su ADN desde su irrupción en 2018. «El que conozca la historia de Andalucía sabe que nunca, en ningún lugar del mundo, ni en ninguna civilización, ni con los Medici en Italia, hubo una congregación de tantos sabios, tantos científicos, tantos médicos y tantos librepensadores como en el Califato», lanza Chaparro. El Califato es la etapa de mayor esplendor de Al Ándalus.

Tampoco se ha elegido al azar la fecha de publicación del nuevo disco. Es el 29 de febrero, que ellos han designado como el día de la «nueva Andalucía», después del 28-F, día oficial de la comunidad andaluza.

¿Y cómo es esa nueva Andalucía? ¿Es una nación?

Esteban Espada. Es un mundo, un sueño y un lugar mental. Es una Andalucía con orgullo, no porque creamos que nuestra tierra es mejor que otras, sino porque reconocemos su historia, su cultura, su identidad y su lucha. Rebelde, no por oposición a todo, sino por resistencia a la injusticia, a la opresión, a la marginación y al olvido. Con memoria, no por estar anclada en el pasado, sino porque de él se aprende, y lo reivindicamos como fuente de inspiración y de dignidad. También es solidaria.

R.Manuel Chaparro. A los andaluces nos han machacado y hoy seguimos siendo una colonia. No queremos eso. Con nuestra música, intentamos descolonizar la cultura andaluza para que el dinero se quede en Andalucía y no vengan a robarnos la cultura para que luego cotice en Madrid, Barcelona o Bilbao.

Todos esas claves de la «nueva Andalucía» están en Êcclabô de Libertá -esclavo de libertad, escrito con los fonemas del habla andaluza-. Con él, Califato 3/4 sigue con el «folclore futurista» de sus anteriores trabajos, que se nutre ahora de «electrónica, flamenco, guasa, latineo, cosas morunas, otras muy frescas de baile y hasta barroquismo», enumera Soria.

Semejante «revoltillo» es algo natural para la banda. «A ver, en todos los continentes, la gente ha mezclado su folclore con electrónica. ¿Por qué no con el flamenco? ¿Tú crees que el flamenco, que es lo más grande que hay en el mundo, no tiene un potencial más increíble que el tango, el fado o la cumbia?», apunta Chaparro, mientras los demás asienten.

Espada, bajo de Califato 3/4, es graduado en Arquitectura Técnica, pero lleva «desde siempre» vinculado a la literatura y cuenta con un sinfín de premios literarios. El grupo no se conoció ni en la universidad ni en los certámenes literarios, sino en la noche sevillana, en la escena más underground y haciendo de DJ en salas. «Hace años, Chaparro estaba pinchando electrónica y, a mitad de la sesión, lo paraba todo y metía a Rocío Jurado. Y, claro, la gente se volvía muy loca», recuerda.

VIDA CASI MONACAL

Los Califato 3/4 han pasado un año encerrados en el estudio con su nuevo trabajo, haciendo una vida casi monacal, con natación por las mañanas en el polideportivo del Polígono San Pablo de Sevilla, donde comparten las calles de la piscina con los abuelos que van a los cursillos. «Soy especialista en madres, abuelas, tíos y abuelos», dice con guasa Chaparro, haciendo referencia al público tan heterogéneo que los sigue. En un teatro de Vigo se encontraron que la media de edad era «la de nuestros padres», pero en los festivales hay «chavales superjóvenes», que son los que se les acercan a pedirles selfis cuando están en la piscina. «Sí, de todas las edades y de todos los credos», dicen con orgullo los cuatro.

El local donde han desarrollado su nuevo trabajo simboliza el título del disco. «Ha sido nuestra cárcel, porque para ser libres hay que ser esclavos antes. Y nosotros mismos nos hemos esclavizado porque la libertad cuesta», afirma Chaparro.

Los integrantes del grupo se consideran «jornaleros» de la música. «Cuando paras un año para preparar el disco, tienes problemas económicos porque nosotros somos jornaleros de la cultura: sólo cobramos cuando trabajamos. Y sacar un disco, con los vídeos y todo el tiempo que se le dedica, cuesta bastante».

«La subsistencia es por los bolos porque ahora ya no se venden discos como antes», tercia Soria.

¿Y Spotify?

E.E. Son 0,000002 céntimos por escucha. No se puede vivir de las escuchas digitales. En la música, no hay clase media. Está el que gana mucho y para el resto parece que es un hobby. Con este sistema sufren los jóvenes porque las grandes bandas del pasado ya han recuperado su dinero.

R. M.C. Sí, se acabó con el engaño de las compañías discográficas abusivas, pero llegó la injusticia de Spotify.

Tras el encierro de un año, Califato 3/4 llega en plena forma a la gira que comienza en Sevilla, en el Cartuja Center, el 2 de marzo. La siguiente cita confirmada es en la sala Apolo de Barcelona, el 15 de marzo, y Live Las Ventas de Madrid, el 16. Y habrá más conciertos que se están cerrando estos días.

LAS COLABORACIONES MÁS VARIOPINTAS: JUGADORES DE FÚTBOL, ACTORES Y UN CANTAOR FLAMENCO

El nuevo trabajo de Califato 3/4 incluye colaboraciones de lo más variopintas: desde jugadores de fútbol que han colaborado en un videoclip sin cobrar nada, hasta actores, pasando por un cantaor flamenco. Mestizaje llevado hasta las últimas consecuencias.

El primer vídeo Êcclabô de Libertá, single que da nombre al nuevo disco de Califato 3/4, narra cómo la Tierra se ha destruido y los músicos, con la ayuda de los actores Paco Léon y Almudena Amor, el rapero Foyone y los futbolistas Borja Iglesias y Héctor Bellerín, buscan una "nueva Andalucía" lejos del planeta tierra. "Los dos futbolistas y los dos actores vinieron encantados y quisieron colaborar con nosotros sin cobrar nada. Hay que agradecérselo porque sabemos que su trabajo cuesta mucho dinero", afirma Manuel Chaparro.

El single Andalucê Yorá une flamenco y música de vanguardia. En él, el cantaor flamenco Andrés de Jerez interpreta unos versos del poeta y dramaturgo Miguel Romero Esteo (1930-2018), hijo adoptivo de la ciudad de Málaga.

El videoclip, escrito y dirigido por Juan Escribano Tamayo, hace un alegato al exilio andaluz a través de un homenaje a Pepa Flores, más conocida como Marisol, y a los trabajadores andaluces expropiados lejos de su propia tierra. La letra simboliza "todos los expolios que ha sufrido Andalucía", resume Chaparro.

En el single Çegaorâ unen sus voces Ángeles Rusó, Paula Margo, Anaisa García y Andrea Santalusía. Se trata de un homenaje "retrofuturista" a la esclavitud del campo andaluz y al tema Segaores del dramaturgo Salvador Távora.

El cantante de No Me Pises Que Llevo Chanclas, Pepe Begines, colabora y canta en el tema Xancla Lebantá. El single se fraguó en un viaje a Asilah (Marruecos) donde Chaparro, Esteban Espada y Lorenzo Soria pasaron el fin de año de 2022. El videoclip está dirigido por Diego Caro y David Alonso.